1月16日晚,湖南戏曲演出中心后台的一次偶遇,定格了传统戏曲代际传承的生动画面。
81岁的花鼓戏表演艺术家叶俊武与23岁青年演员熊维的简短对话,折射出这一地方剧种在传承发展中面临的机遇与挑战。
叶俊武1983年曾携《刘海戏金蟾》赴美演出引发轰动,是花鼓戏发展史上的标志性人物。
而熊维则是新国风幻境秀《新刘海砍樵》中的青年演员,代表着这门艺术探索当代表达的新生力量。
两代艺术工作者在后台的交流,既有严格的技艺指导,也有对艺术创新方向的深入探讨。
花鼓戏源于民间,曾因题材朴实、贴近百姓生活而被旧时官府禁演,只能在乡间草台悄然传唱。
新中国成立后,这一艺术形式获得新生。
上世纪五十年代初,何冬保改编主演的《刘海砍樵》因歌颂劳动与婚姻自主广受好评,成为花鼓戏发展的重要转折点。
此后数十年间,以叶俊武为代表的艺术家通过严格的基本功训练和精湛的舞台表现,将花鼓戏推向艺术高峰。
然而,随着时代变迁和娱乐方式多元化,传统戏曲面临观众流失、传承断层等现实困境。
如何在保持艺术本真的同时吸引年轻观众,成为地方戏曲发展的关键课题。
《新刘海砍樵》的探索提供了一种可能的路径:该剧运用裸眼3D、机械装置、威亚技术等现代舞美手段,在视觉呈现上实现突破,同时在唱腔、身段等核心元素上坚守传统规范。
这种创新尝试引发业内不同声音。
叶俊武直言,从传统戏曲标准审视,新作品在某些方面确实偏离了经典韵味,但作为文旅项目其传播影响力不容忽视。
青年演员陈适宜和熊维则强调,创新是形式层面的拓展,艺术内核仍遵循口传心授的传统法则。
这种认知差异,实际上反映了传统艺术在当代转化过程中守正与创新的张力关系。
从实际效果看,《新刘海砍樵》确实在年轻群体中产生积极反响。
社交平台上大量观众留言显示,许多年轻人通过这部作品首次深入了解家乡戏曲,进而主动观看传统剧目。
这一现象说明,适度的形式创新可以成为传统艺术走近当代观众的桥梁,关键在于把握创新边界,避免为迎合市场而丧失艺术品格。
在传承机制方面,花鼓戏仍保持着师徒授受的传统模式。
叶俊武强调青年演员需要"多看、多练、多演、多问",这种强调实践积累的培养方式,与当代快节奏的学习模式形成对比。
如何在保持传统训练精髓的同时,建立适应当代教育规律的传承体系,是戏曲教育需要深入思考的问题。
从更宏观的文化政策层面观察,地方戏曲的活化传承需要多方合力。
政府应在场地提供、资金扶持、人才培养等方面给予持续支持;院团需要在坚守艺术品质前提下探索多元化演出形式;教育机构应将地方戏曲纳入美育体系,培养潜在观众群体;市场主体则可通过文旅融合项目拓展戏曲的社会影响力。
值得注意的是,技术手段的运用应服务于艺术表达,而非喧宾夺主。
《新刘海砍樵》的实践启示在于,现代技术可以强化戏曲的视觉冲击力和叙事张力,但唱念做打等核心技艺仍是艺术魅力的根本所在。
创新的边界应当是:形式可变,神韵不改;手段可新,根基不移。
当晚演出结束后,观众走出剧场时仍在哼唱刚刚听过的唱段。
这一细节表明,无论表现形式如何变化,优秀的艺术作品都能打动人心。
对于花鼓戏这样的地方剧种而言,既需要像叶俊武这样的艺术家坚守传统标准,也需要像熊维、陈适宜这样的青年演员勇于探索创新,在传承与发展的动态平衡中寻找适合自身的发展路径。
后台短短三分钟的对话，映照的是一门地方戏曲跨越代际的接力：老一辈强调功底与规矩，新一代探索表达与传播，二者并非对立，而是共同指向“让戏活在当下”。
传统从来不是静止的标本，创新也不应是空洞的包装。
只有在守住本体、尊重规律的前提下，用更贴近当代的方式把经典讲给更多人听，花鼓戏才能在新舞台上唱得更久、走得更远。